Nicolás Alvarado es un músico y productor chileno, fundador del sello “Paisaje del Pacífico”. Con una carrera destacada en la música electrónica y ambient, ha editado más de 42 trabajos discográficos y colaborado con numerosos artistas. El año 2019 se adjudica el premio al mejor disco de música electrónica, en el festival local Premio Pulsar, con su disco “Suono“, junto al compositor Juan Pablo Abalo. Su obra se caracteriza por una profunda conexión con la naturaleza y la creación de paisajes sonoros inmersivos. Estuvimos conversando con Nicolás acerca de su último lanzamiento, AANA Hajimari: Un Viaje Sonoro Entre Imaginarios Acuáticos”, LP que nos sumerge en un paisaje sonoro donde el beat y el ambient se entrelazan con el agua como protagonista. Nos cuenta de su proceso creativo, inspiración, elementos utilizados y otros temas.
Publicado bajo el sello Paisaje del Pacífico, este álbum, compuesto por 9 pistas, transporta al oyente a través de experiencias tanto personales como universales. Inspirado por sus viajes al sur de Chile, el álbum surge de una profunda conexión con el agua y las experiencias asociadas. Desde la calma de nadar bajo el agua hasta los ritmos pulsantes que evocan los movimientos del mar, cada pista narra una experiencia donde lo natural y lo sintético convergen.
Alvarado trabajó en colaboración con Carlos Doerr y Francisco Holzmann para la mezcla y masterización, asegurándose de que cada sonido capturara la esencia precisa que buscaba transmitir. Además, la participación de artistas como Alejandro Palacios en trombón y trompeta, Clara Cabezas en voz y Lorena Álvarez en teclados, aportó capas adicionales de profundidad y textura, enriqueciendo aún más el paisaje sonoro del álbum.
Mirando hacia el futuro, Alvarado ya está trabajando en su próximo proyecto y colaborando con diversos artistas a través del sello Paisaje del Pacífico. Con “AANA Hajimari”, Nicolás invita al oyente a sumergirse en un viaje introspectivo y sensorialmente enriquecedor.
¿Cómo surgió la idea de “AANA Hajimari” y qué te inspiró a crear este LP?
Como compositor y productor he ido trabajando en paralelo a otras producciones en temas, canciones y música que va saliendo de acuerdo a lo que voy explorando en el momento. Este Lp se armó con varios viajes al sur de Chile, viajes que de alguna forma me hicieron relacionarme con varias situaciones que tenían que ver con el agua. Volver a reconocer la relación con este medio a través de la experiencia personal e interacción.
¿Qué desafíos enfrentaste al producir y grabar este álbum, y cómo los superaste?
Por lo general los desafíos son siempre parecidos. Poder traducir las ideas como se imaginan, vale de paciencia. Hacer un disco necesita tiempo, enfrentarse a uno mismo es siempre complejo, a veces un día hiciste una música y otro día quiero hacer otra. También hay muchas ideas que no llegan a lo que imaginaste en un principio, por lo que por lo menos para mi podría decir que es un ejercicio constante de prueba y error.
¿Puedes contarnos más sobre tu colaboración con Carlos Doerr y Francisco Holzmann en la mezcla y masterización del álbum?
Con Carlos llevamos trabajando juntos más de 10 años, tenemos proyectos como Isla del Sol, donde hasta el día de hoy seguimos tocando juntos. Con Francisco algo similar, ha masterizado la mayoría de los discos que yo he hecho, míos y de proyectos que produzco y mezclo.
Los dos acompañaron el proceso del disco desde las Pre Mezclas y conversamos y escuchamos bastante para llegar a los resultados que buscaba. Principalmente porque este disco tiene grabaciones en estudio, de campo y binaurales.
El LP narra un paisaje de beat y ambient desde dentro y fuera del agua. ¿Cómo lograste traducir estas sensaciones al sonido?
La traducción la hago desde la experiencia con el agua. Hay temas que son imaginarios de recuerdos de nadar bajo el agua y aguantar la respiración por ejemplo; acciones que reproduje muy seguido los últimos años. Y principalmente sin querer crear una traducción literal decido ocupar el lenguaje musical para hacerlo.
¿Qué técnicas o equipos utilizaste para crear los paisajes sonoros presentes en “AANA Hajimari”?
La técnica es variada, en el caso de los instrumentos, un trío de máquinas en los temas dan la base. Tr08 drum machine, korg minilogue y roland jupiter 4. Hay guitarras también. El trabajo de guitarras ambientales lo he venido trabajando desde hace ya mucho tiempo tanto en mis música cómo en otras producciones. Voy generando ambientes melódicos/armónicos que voy traspasando de un efecto a otro. En varios casos trabajo con el fader de volumen de la guitarra, para quitar el ataque del sonido y así poder llegar a un sonido de pad.
Complementando este trabajo de instrumentos están la grabaciones de campo, de pianos y sintes que fueron registrados en exterior. Grabaciones con un Tascam dr100 y con técnicas stereo y binaural. En estas grabaciones fui recorriendo distintos paisajes sonoros, tanto de la ciudad como de distintos momentos de aguas, me metí a caminar en el agua en algunos casos, como se escucha en el último track “Al sur de la Notalgia”.
¿Cómo influye tu entorno y tus experiencias personales en la música que creas?
Por lo general es una traducción de contexto. Por lo que podría afirmar que el entorno y la experiencia conduce mi ejercicio creativo.
En las colaboraciones: ¿Cómo fue trabajar con ellos y qué aportaron a las canciones? ¿Qué te llevó a invitarlas a participar en este proyecto?
Sobre las colaboraciones, Alejandro Palacios lo conozco hace tiempo, incluso, en algún momento ensayamos con la banda Protistas, banda de Palacios, en una invitación que me hizo la banda para colaborar. Me gusta mucho su trabajo en sus discos solistas y en colaboraciones también.
Para Hajimari, grabamos en dos sesiones, en mi estudio en ese momento en Santiago.
Le había mostrado la música de anticipación, y le había dicho que buscaba el sonido de bronces, principalmente trompetas. Para la grabación usamos un par de pedales de guitarra, delays, que fueron los que manipulamos para generar un sonido más largo y lejano. La intención no era hacer sonar una trompeta en estricto rigor del sonido de este instrumento ni tampoco con el trombón, la idea de tener estos dos instrumentos fue por decisión tímbrica y exploración, me gusta mucho el sonido de la trompeta pastoso de Miles, Chet baker o en “Le Singe Bleu” de Vangelis, esa forma de tocar era algo buscaba.
Con Clara fue distinto, la propuesta era que colaborará en voz. Hablamos bastante por teléfono y compartimos algunas referencias durante un tiempo. Luego nos juntamos y Clara trajo varios escritos que fuimos leyendo y probando. El nombre del track se termina llamando “Uno sin el Otro” gracias a esos escritos. Yo buscaba un relato reflexivo, algo que justificara una segunda voz en el disco. Probé muchas cosas, y no daba en el tono que buscaba. La música necesitaba algo más oscuro pero suave y con una mirada tenue. Y así fue, nos juntamos, leímos un montón de escritos muy buenos, y fuimos grabando los seleccionados, y luego solo editamos algunas cosas, para que rítmicamente avanzara.
Con Lorena fue distinto, grabamos en su casa. También se lo había propuesto antes y estuvimos comentando y escuchando algunos referentes. Ese track tiene un imaginario YMO , y sentí que podíamos colaborar, buscaba a alguien que tuviera esa fluidez y experiencia de música rítmica con las armonías en teclas. Mucho de lo que he escuchado en sus proyectos.
¿Cómo influyó el arte de Isabel Margarita en la conceptualización visual del álbum?
Influyó bastante, el acierto fue fortuito. Ella es artista, fotógrafa, artista sonora. Nos conocimos en una fecha donde yo me presentaba. Mirando su trabajo me linkeo directamente con este disco, incluso antes de terminarlo, y se lo propuse. La fotografía que se usó(no completa) para la portada, es la misma desde ese día que le escribí y le mande el disco, sin saber si se daría.
Estaba en búsqueda de la imagen, siempre tuve la idea, lógicamente para mi, una imagen de agua, por todo el proceso vivido con el disco.
Buscando me encontré con su trabajo y fue una sensación a primeras como comentaba, vi esta serie de fotografías que tenía y le escribí.
Conversamos un largo tiempo, porque en un inicio hubo varias opciones ya que su trabajo calzaba naturalmente con el sonido de este disco. Fuimos haciendo varias pruebas, con esa e incluso otras fotos y tipografías, hasta que no mucho tiempo antes de la salida del disco logramos terminarla, quizás a un mes y medio o menos de la fecha que estaba pronosticado.
¿Qué importancia tiene para ti la coherencia entre lo visual y lo sonoro en tus proyectos?
El disco estaba listo hace un buen tiempo, pero fué justamente esa relevancia por lo que no salió antes. Me tomé el tiempo suficiente hasta que sentí que estaba realmente correspondido lo sonoro con lo visual.
¿Qué artistas, géneros o experiencias recientes han influido en la creación de “AANA Hajimari”?
Hace un año y un par de meses cree una nueva editorial que se llama Paisaje del Pacífico, editorial que le ha dado continuación al catálogo antes editado por el sello ISLA. Esa ha sido mi experiencia más influyente, pensando en todo lo que abarca la costa pacífico, de Chile a Japon o algo así.
Has trabajado en una variedad de géneros y proyectos a lo largo de tu carrera. ¿Cómo ha evolucionado tu enfoque musical con el tiempo?
Mi enfoque musical principalmente se ha expandido, busco y escucho mucha más música que antes, todos los años avanza.
¿Qué otros proyectos tienes en mente para el futuro cercano, tanto en solitario como en colaboración con otros artistas?
Estoy trabajando en un segundo disco ya, y espero que pueda tenerlo para el próximo año. Y en colaboraciones estamos armando un Compilado a traves del sello en donde hay feat con Moyano, Sara, El negro es la noche, y varios más por ahí.
¿Este material y el que lugar ocupa, bajo tu mirada, en la escena electrónica y ambient específicamente.?
Pienso que suma un color al incansable trabajo que hacemos artistas, músicxs, productorxs, fotógrafxs y todos los que trabajamos en la escena cultural en Chile.
Es un disco que intenta proponer una música honesta y reconocer el trabajo constante del proceso creativo en una escena de electrónica y ambient.
¿Qué expectativas tienes sobre “AANA Hajimari” en cuanto a fechas y giras?
Espero poder editarlo pronto en físico y he estado presentando parte del disco en conciertos que he hecho en fechas como Tiempo Real en Santiago, El teatro Enrique Molina en Concepción y En Montecarmelo en Santiago también.
Me gustaría hacer un lanzamiento pronto, en el Sur, Conce, Santiago, Valparaíso. Estoy trabajando para eso.
Créditos AANA Hajimari
Música y producción por Nicolas Alvarado Azolas
Mezclado por Carlos Doerr
Masterizado por Francisco Holzmann
Arte Por Isabel Margarita
Track 3 y 4 trombón y trompeta por Alejandro Palacios
Track 4 Voz por Clara Cabezas
Track 7 Teclado por Lorena Alvarez
Editado por Paisaje del Pacifico 21 junio 2024
